30 de julio de 2011

PENSAMIENTOS SOBRE FOTOGRAFÍA DIGITAL por Bruce Barnbaum.

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Después de meteros el otro día un ladrillazo sobre ciertos pensamientos que me rondaban la cabeza y sobre sensaciones que tenia sobre ellos, me he encontrado con un texto sumamente interesante de Bruce Barnbaum y traducido por Sergio Jaén Lara que es quien lleva el Blog Foto36, (el cual lleva algún tiempo sin actualizar todo sea dicho) y he decidido que os interesaría leerlo al hilo del anterior.

A parte de mis propios pensamientos, que eran muy personales, Bruce te transporta a una realidad irrefutable sobre la fotografía digital y su sobrevaloración en comparación a la tradicional.

Saludos





 PENSAMIENTOS SOBRE FOTOGRAFÍA DIGITAL por Bruce Barnbaum.

(Traducido por Sergio Jaén Lara)



Se ha escrito mucho acerca de la fotografía digital en los últimos años. Es el momento de apartarse de las exageraciones y de realizar una evaluación mas sólida. Debido a que esta evaluación proviene de mí, un fotógrafo que ha trabajado muy poco en digital; ésta puede aparecer negativamente sesgada. En mi defensa, voy a señalar que opino que la vía digital es maravillosa y perféctamente legítima. Regularmente invito a fotógrafos digitales como instructores para trabajar conmigo en mis talleres, y no he dudado en en juzgar una imagen digital como “la mejor ” cuando se me ha invitado como jurado a una exposición. Así que aunque yo no uso lo digital, no estoy en su contra.

Hay varios puntos básicos en los que deseo hacer hincapié en este artículo:

El primero es, que la fotografía tradicional posee una serie de potentes herramientas que no han sido mejoradas ni sustituidas con la llegada de la fotografía digital. En segundo lugar, lo digital cuenta con sus propias y potentes herramientas. En tercer lugar, hay problemas con el mal uso de los métodos digitales que no se tienen en cuenta o son pasados por alto regularmente: estos problemas deben ser reconocidos y discutidos abiertamente tanto como lo son, sus muchos atributos. Incluso después de 20 años de desarrollo de la fotografía digital esta se considera todavía "nueva", pero ya se han realizado buenos trabajos con ella.

La fotografía tradicional ha existido por alrededor de más de 150 años, y con ella, trabajos extraordinarios han sido producidos por cientos de fantásticos fotógrafos, incluidos Kertesz, Adams, Weston (tanto Brett y Edward), Cunningham, Emerson, Sudek, Mark, Uelsmann, Salgado, Porter,Haas, Caponigro, Cartier Bresson, Riis, y muchos, muchos otros.

Podemos esperar buenos trabajos en el futuro desde ambos enfoques. Desafortunadamente, también podemos esperar un gran número de trabajos no satisfactórios, desde ambos lados, lo que me lleva a hablar de mis pensamientos inciales acerca de la fotografía digital. Un ordenador es una herramienta, nada más y nada menos. Una cámara es una herramienta. Un cuarto oscuro es un instrumento, nada más y nada menos. Un pincel es una herramienta artística. Un lápiz es una, también. Un ordenador no transforma a la persona media en un artista, no mas que cualquiera de los otros medios podría hacerlo. Es la mente detrás de la herramienta la que crea el arte, no la herramienta.

Aquellos que creen que avanzarán artísticamente por acercarse a la fotografía a través de métodos digitales, caen en un tremendo error. Sería como pensar que usando un bolígrafo puedan ser mejores escritores de lo que lo han sido utilizando un lápiz.

En los últimos años he escuchado a estudiantes de talleres que se están pasando al medio digital por conveniencia. Dicen que les permite empezar y dejarlo en cualquier momento, dejarlo donde están y seguir de nuevo cuando es conveniente. Eso está bien si los mantiene en la fotografía, pero hay que señalar que ninguno de los grandes trabajos fotográficos se hizo cuando era "conveniente". Fue llevada a cabo por personas que se habían comprometido a la libre expresión propia, por gente que dejaron de hacer otras cosas para hacer fotografía, ya que esta era lo mas importante para ellos. Eso no forma parte de una opinión. Eso es un hecho. Este hecho no cambiará. El trabajo se produjo en momentos de conveniencia, pero no será un trabajo excepcional.

Las personas que van a hacer trabajos digitales será tan visionarios artísticamente y tan comprometidos a ello como lo hayan sido los fotógrafos del pasado y del presente comprometidos con su trabajo. Los que trabajen por conveniencia (comodidad) no producirá trabajos de valor duradero.

Nada de esto debería ser sorprendente. Las grandes obras en cualquier campo artístico, científico o empresarial,etc, siempre son realizadas totalmente implicadas, comprometidas y entusiastas. Einstein no creó sus teorías revolucionarias en tiempos de conveniencia. Picasso no creó su gran pintura cuando era conveniente.

Ellos y todos los demás que han sido creativos, se apartaron de todo lo demás para crear su obra, y dedicaron su vida de pleno a esa misión. Pero, ¿Cuantos de los que están haciendo fotografía con la ilusión que usted (o yo) pone están en la liga de los Ansel Adams o Edward Weston, o cualquier otro de los "grandes" en la historia de la fotografía?

Probáblemente muy pocos de nosotros. Entonces, ¿Qué tiene de malo hacer el trabajo cuando es conveniente? De hecho, yo tengo que inmediatamente reconocer que si trabajar así , de hecho, le mantiene en el juego, en su afición, en su pasión, y le permite continuar con ella cuando tenga el tiempo necesario, ¡Siga por ahí!

Si lo digital le permite proseguir con su fotografía cuando su ocupada vida le da la oportunidad (y todas nuestras vidas parecen más ocupadas de lo que nos gustaría que fueran), entonces lo digital puede ser la solución. Estoy simplemente diciendo que si aspiran a ser un Adams o un Westonprácticamente idénticas de "negativos digitálmente perfectos". Esto es cierto, pero esto confunde la cuestión de la creación de arte con la cuestión de la producción en masa.

Producir arte fotográfico gira en torno a una serie de factores que son comunes a todos los enfoques: la comprensión de la luz, un reconocimiento de la relación de las líneas, las formas, el equilibrio y el desequilibrio; fluidez en el lenguaje visual del color y del contraste, una relación entre la comprensión del objeto fotografiado y lo que se desea expresar a los otros sobre ese objeto elegido.

Los métodos digitales con toda seguridad superan a lo tradicional en la producción en masa, pero no ofrecen nuevas ideas para el artista necesarias para llegar a la fase de la expresión personal ... , mas allá de lo que supone esa producción.(También quisiera señalar que la producción en masa no tiene cabida en el arte verdadero.)

Para las personas con visión artística, los métodos digitales ofrecen nuevos, exclusivos y poderosos métodos de manipulación de la imagen, y estos deben utilizarse plenamente , tal como lo hacen los mejores profesionales. Pero las ideas, los sentimientos, el arte y la comunicación expresiva expresivas son las cuestiones importantes. La producción en masa es una cuestión menor y tangencial.

Siempre mantenga esto en mente: es la idea de la expresión artística singular, no el hecho de que no se puede producir cualquier número de ellas, esa es la realización artística de la idea descubierta detrás de la cámara, o imaginada en su mente, que será perseguida posteriormente en el lugar de captura o en el cuarto oscuro (tradicional o digital). Extrañamente, redifiniende el ver y el sentir artístico es donde los métodos digitales han probado ser mas perjudiciales.

Los métodos digitales, en sí, no son el problema, más bien el mal uso generalizado de la metodología digital por sus profesionales es el problema. Esto ocurre cuando los usuarios digitales pasan por alto problemas iniciales (en la captura) con la idea de que pueden ser corregidos posteriormente con photoshop.

Algunos problemas simples, como las indeseables torres eléctricas o las partículas de polvo en el aire, pueden ser fácilmente eliminados. Si la torre eléctrica representa un problema, puede ser eliminada digitalmente de una manera claramente mejor que cualquier procedimiento utilizado en la fotografía tradicional. Pero como los problemas se multiplican, las correcciones se hacen exponencialmente más difíciles. He visto demasiados casos en los que un simple problema inicial (la torre eléctrica, por ejemplo) se ha ampliado a tantos problemas inadvertidos, que la situación se vuelve inmanejable.

Los usuarios digitales harían bien en evitar la proliferación de tales problemas. Los "defectos" en el lugar de la captura deben ser plenamente comprendidos y reconocidos desde el comienzo, teniendo una idea clara en la mente de las correcciones necesarias para hacer que la escena, lo que usted, el artista, quiere transmitir ... Incluso si se trata de una alteración de la realidad . Eso está bien, pero debe ser consciente de ello desde el principio. Pero debe también ser consciente del hecho mas importante: no se puede cambiar la iluminación, la relación de las formas básicas, o su "sentir” sobre el objeto fotografiado a través de Photoshop.

Es mejor empezar cualquier esfuerzo, artístico, científico, empresarial, etc, correctamente, en vez de esperar a parchear para corregir los problemas iniciales. De lo contrario, se convierte en "abuso digital": la aceptación de una chapuza inicial pensando que será corregida más tarde. Se trata de un síndrome que tiene escaso reflejo en la metodología tradicional, simplemente porque las posibilidades de corrección posterior son más limitadas.

La tecnología digital ha generado una sobreexpectación omnipresente. Las personas atrapadas en el abuso digital, a menudo se olvidan de ver la luz tal como es, contando con Photoshop para hacer cosas, como eliminar objetos no deseados, crear objetos inexistentes pero deseados, incluso cambiar una mala iluminación por otra mejor.

Photoshop es una herramienta muy potente, pero como cualquier otra herramienta, se debe utilizar sabiamente, y utilizarse dentro de sus limitaciones. Una pobre visión inicial no podrá ser corregida en Photoshop, no importa cuán poderoso instrumento sea. Photoshop es un buen instrumento, una herramienta extremadamente potente, pero la fotografía y arte fotográfico comienza con la sensación de ver, no con el uso del ratón en el ordenador.

Hoy en día, existe una gran cantidad de información escrita errónea acerca de los métodos fotográficos tradicionales, proveniente de usuarios digitales. Recientemente he leído un artículo de una revista sobre el uso de máscaras digitales realizado por uno de sus mas importantes portavoces.

Éste detalla los distintos pasos necesarios para realizar y utilizar una máscara digital. El artículo a continuación, explica que el uso de este tipo de enmascaramiento usando el negativo original con métodos tradicionales, nos llevaría horas. Esta información es evidentemente falsa.
He hecho y usado máscaras, tanto de enfoque como de desenfoque, tanto para color como para blanco y negro. Para una máscara de enfoque se requiere un registro. Ese equipo tan simple pero tan preciso es facilmente disponible. Con él, el proceso es practicamente instantáneo. El registro también puede ser utilizado para crear máscaras de desenfoque, realizando una inscripción instantánea, pero esto no es absolutamente necesario. Para realizar este proceso se pueden invertir de 15 a 45 segundos a lo sumo, sobre una mesa de luz.

Lo he demostrado recientemente durante un taller en mi propia casa. Realicé una máscara de desenfoque para un negativo evitando el uso de equipamiento de registro (el cual poseo). Realicé la máscara con el negativo en unos 30 segundos mientras los estudiantes miraban, entonces imprimí el negativo de la máscara como demostración. No existe ninguna razón para escribir esa información errónea acerca de los métodos tradicionales, que son, de hecho, muy fáciles y eficientes.

No hay necesidad de hacer ver mejores a los métodos digitales rebajando a los métodos tradicionales falsamente. Esto no debe convertirse en una batalla política mediante publicidad negativa entre las dos vías. Cada uno tendrá, inevitablemente, sus propios adeptos y defensores. Esto es de esperar. Pero las falsas afirmaciones no ayudan a los recién llegados a tomar una decisión formada sobre que ruta deben tomar.

El enmascaramiento digital proviene de forma directa de los procedimientos de enmascaramiento usando métodos tradicionales y que han existido durante mas de un siglo. En digital se puede hacer más rápido, pero los medios tradicionales siguen siendo bastante rápidos y eficaces.

El arte es una materia contemplativa, y la rapidez y la velocidad no son una preocupación fundamental cuando se está creando una delicada obra de arte. Por otra parte, ¿Quién desea pasar días, semanas, o meses haciendo algo que se puede hacer en minutos por otros medios?, pero este no es el objeto de la conversación. Las quejas al contrario son injustificadamente egoístas. De hecho, el cuarto oscuro tradicional ha cambiado radicalmente en los últimos 10-15 años.

La mayor parte de mis procedimientos de impresión en blanco y negro, han cambiado significativamente para aprovechar los magníficos papeles de contraste variable, que me dan muchas mas opciones y flexibilidad de las que tenía hace diez años. Puedo imprimir cada una de las partes de una imagen con diferentes niveles de contraste y fusionarlas con suavidad con la llegada de estos papeles, y he sido capaz de imprimir imágenes que no pude imprimir satisfactoriamente años atrás. Puedo enmascarar con facilidad, y siempre que sea conveniente hacerlo. Es un proceso simple, y un instrumento valioso en el juego del cuarto oscuro.

Puedo blanquear zona por zona para proporcionar una brillante calidad de la imagen, algo que es prácticamente imposible de lograr digitalmente. No se equivoque, el cuarto oscuro tradicional es una poderosa herramienta , y no es estática, sino que está mejorando constantemente con la mejora de los productos.

La fotografía digital ofrece buenas herramientas, eso es seguro, pero viene con una serie de problemas inherentes, que rara vez son debatido en las revistas por temor a molestar a los anunciantes, que actualmente están invirtiendo una gran cantidad de recursos en el "futuro digital". Por lo tanto, no quieren que los recién llegados, conozcan los escollos que se encontrarán, antes de llegar a participar plenamente en el proceso.

El coste es un importante escollo, y no sólo los iniciales, sino los posteriores. Inicialmente el coste de un escáner digital, un ordenador , un monitor, una impresora y programas de software, es comparable a los costes de un equipo tradicional: ampliadora, objetivo, sumideros, tubos, temporizador, caballete, bandejas, luces de seguridad, etc. Pero el equipo digital requiere de una constante actualización y modernización. Nada deja de ser obsoleto, ni tan rápidamente como los ordenadores y sus programas. Como resultado, deberá volver a pagar los costes iniciales cada pocos años, sólo para mantenerse actualizado y seguir trabajando. Por el contrario, en 1989, dieciocho años atrás, adquirí siete ampliadoras y los correspondientes equipos de cuarto oscuro para mi trabajo y talleres, para que los estudiantes realicen su propia impresión en las ampliadoras. Con la excepción de una pequeña modificación en la colocación de las luces de seguridad., no he gastado un centavo en equipamiento adicional.

Sería imposible decir algo parecido acerca del equipamiento digital.(Ninguna de las mejoras aparecidas para la fotografía tradicional, ha afectado a los equipos que compré inicialmente.)

Algunos entusiastas digitales sostienen, que usted no necesita pagar los costos de continuación si realiza una compra inicial inteligente y se mantiene dentro de unos límites. Sin embargo, si uno de los componentes de su sistema deja de funcionar, puede que no sea reparable o reemplazable, con otro componente que su sistema pueda reconocer con el paso de los años. O cualquier cambio puede conllevar la aparición de una serie de incompatibilidades ocultas. Así la inevitable rotura de uno de los componentes acabará con la revisión completa de todo el sistema. Mas allá , esto posee la desventaja de volver a adentrarse en un nuevo aprendizaje en el uso de hardware y sotfware.

También existe la posibilidad de que sus archivos guardados puedan ser incompatibles con su nuevo sistema, y por tanto perder el acceso a sus viejas y amadas imágenes, o que sean convertibles a un nuevo sistema, a un alto precio. Entonces no sólo hemos vaciado nuestros bolsillos, sino que hemos perdido una apreciable cantidad de tiempo para volver a acelerar nuestro sistema. Sin hablar de la posible angustia por la posible pérdida de imágenes preciadas del pasado. Tanto si está motivado por la necesidad o el deseo de estar al día, la metodología digital necesita una formación contínua. Cada nueva actualización de su sistema operativo, su programa(probablemente Photoshop), o su hardware provocará un vacío de conocimientos. Usted necesitará tiempo para comprender plenamente el nuevo sistema. Eso, por supuesto, comprende una pérdida de tiempo para su creatividad personal. Pero va más allá de eso. Usted no sólo debe entender plenamente un sistema, cualquier sistema, sino que debe estar a gusto con él, para utilizarlo de manera eficaz ,para sus propósitos creativos. ¿Quiere gastar tiempo de creatividad en su trabajo o prefiere emplearlo en aprendizaje y en sentirse confortable con cada nuevo ordenador? Otro riesgo potencial es la falta de accesibilidad en el futuro a imágenes pasadas. ¿Cuánto tiempo duran los archivos digitales? y ¿ Durante cuánto tiempo los equipos digitales serán compatibles con los archivos actuales? Seguramente será irritante, catastrófico, si los datos importantes se corrompen o si su futuro equipo no puede reconocer formatos de archivos actuales.
Pueden existir, o puede que no, medidas para paliar esos problemas, pero la solución puede ser costosa y larga.

Una mirada al pasado es una indicación clara de los problemas futuros. Los disquetes de memoria de 5 ¼, dieron paso a los de tres, entonces llegaron los discos zip, después los cdroms, después los dvd,s y de ahí en adelante. A lo largo del camino, ha tenido que comprar nuevo hardware y software para seguir el ritmo de las mejoras tecnológicas. Ha tenido que traducir archivos de sistemas viejos a otros nuevos. Los nuevos sistemas de archivo de memoria también deberán ser traducidos a otros futuros.

Cuanto mas tarde en permanecer actual, peor resultará esa traducción de datos. Su trabajo puede perderse para siempre. Imagine que usted ha guardado información en diskettes de 5 1/4 y que ahora la necesite ¡No hay suerte! No existe hardware que pueda leer esos archivos . Mirando al futuro, archivos actuales no podrán ser traducidos directamente y el hardware futuro será totalmente incompatible con los sistemas actuales. Cuanto mas tarde en actualizar su sistema, mayor será la certeza de que se quedará tirado cuando alguna parte de su sistema falle.

No hay problemas equivalentes, utilizando métodos tradicionales. Puedo coger mis primeros negativos tomados al final de los sesenta, disponerlos en mi ampliadora e imprimirlos. Siempre tendré esa opción. Mi último trabajo lo tengo a mano de la misma manera que tengo el pasado y tendré el futuro. Siempre será así.

Lo digital requiere de una recalibración constante de todas las partes de tu sistema: el escaner, el monitor y la impresora. Los ajustes no son constantes a pesar de lo que diga el fabricante y por lo tanto la calibración es esencial. Esto supone también una desviación de sus esfuerzos creativos. Si utiliza un servicio externo el problema se magnifica, porque su calibración y la del servicio es muy frecuentemente distinta. Entonces todo su proceso de calibración no servirá de nada cuando trabaje a través de otros proveedores. De nuevo no existen problemas equivalentes en el equipamiento tradicional. Después de configurar mis ampliadoras hace 18 años, lo único que he hecho con ellas es usarlas, y me dan los mismos resultados, día tras día. Puedo concentrarme en mi creatividad, no en mis calibraciones.

Otro punto debe ser destacado: el trabajo de Ansel Adams, los Westons, Imogen Cunningham, Joseph Sudek, y todos los demás grandes, pasados y presentes, sigue siendo grande, y siempre lo será. Lo digital no ha convertido sus imágenes en irrelevantes, yendo mas allá, ninguna de sus mejores imágenes puede ser mejorada usando métodos digitales.


¿Como podría photoshop mejorar la fotografía “Moonrise, Hernandez” de Adams?




















¿Y “Holland Canal”de Brett Weston?
























¿ Y “Pepper 30” de Edward Weston?

























No podría, por lo bien vistas que fueron dichas imágenes. Actualmente las obras tradicionales producidas son igualmente relevantes. Lo digital no las alterará.

Podrá permitir que se creen nuevos, diferentes y maravillosos trabajos, pero no negará la fotografía tradicional de ayer, hoy y mañana. Lo digital posee propiedades nuevas y únicas no comparables a los métodos tradicionales, pero éstos son inmersamente poderosos, y en las manos de un verdadero artista, producirán resultados increibles. Los métodos tradicionales no se han convertido en irrelevantes con el advenimiento de lo digital.

Hoy, a causa, debido al paso en masa hacia lo digital, es cierto que la fotografía tradicional puede llegar a verse como una “aproximación alternativa” (como lo son el platino/paladio, los cianotipos u otros métodos menos frecuentes), pero nada de eso puede negar el poder de los métodos tradicionales.

Es aconsejable el evaluar los beneficios y desventajas de cada vía, antes de zambullirse en uno de ellos. Pero debo añadir una última reflexión como apoyo de los métodos tradicionales: nada posee el resplandor de una delicada y artesana copia argéntica. Nada. Incluso después de mas de veinte años de mejorada tecnología digital, las impresiones argénticas tradicionales son todavía el epítome de la excelencia de la fotografía en blanco y negro. Incluso existiendo y habiendo visto muchas y notables, realmente notables, impresiones digitales en blanco y negro, el método argéntico tradicional ocupa todavía el lugar con arreglo al cual todos los demás son juzgados. Reconozco que esto cambiará en el futuro, pero todavía sigue siendo cierto.


Referencia Thoughts on digital photography, Bruce Barnbaum.
(http://www.barnbaum.com/thoughts.html)

28 de julio de 2011

What Remains (Lo que queda): Vida y trabajo de Sally Mann

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Os voy a dejar esta vez con un documental de una de mis fotógrafos favoritas. Sally Mann.

Sally Mann crea para este proyecto una serie de sobrecogedoras fotografías que hablan sobre un tema que nos afecta a todos, la pérdida de vidas. Oscura, hermosa y reveladora, lo que queda, una meditación de cinco partes sobre la mortalidad, explora la brecha inefable entre cuerpo y alma, vida y muerte, el espíritu y la tierra. Mann nos invita a contemplar la belleza y la eficiencia con que la naturaleza asimila el cuerpo una vez que la vida ha terminado.
 
"La muerte es poderosa", dice Mann. "Es quizás la mejor manera de abordarlo, como un trampolín, para apreciar la vida más plenamente. Es por eso que este espectáculo termina con imágenes de personas que viven, las fotos de mis hijos. Este cuerpo de trabajo es un proceso de acción de gracias." Organizado en cinco secciones, Sally Mann: lo que queda tiene más de 90 fotografías y representa la descomposición de una de las galgas de Mann, Eva.


Utiliza pare ello el proceso de colodión húmedo, una práctica en el siglo XIX, y de esta manera crea unas imagenes pictóricas, ilusionistas y hasta cierto punto mágicas hoy dia.

Tal vez la sección mas impactante en la exposición, se compone de imágenes de cuerpos humanos pasando por el proceso natural de descomposición en un lugar de estudio forense. En esta serie de fotografías, Mann no protege al espectador de la realidad de la decadencia corporal. "Hay un momento en que nos fijamos en los cuerpos y pensamos 'esto era un cuerpo humano'. Que era una persona que era amada, querida, acariciada ", dice Mann.
 
La sección central de este documental presenta dos series de imágenes de paisajes. Unas se centran en el lugar donde un fugitivo armado se suicidó en la propiedad campestre de Mann en el Valle Shenandoah de laVirginia rural. Ella fue testigo de la reunión familiar por la muerte de este fugitivo y a partir de este encuentro se inspiro para el proyecto. La serie de fotografías de paisajes Antietam, realizado en el campo de batalla de Antietam, en Sharpsburg, Maryland, van mucho más allá de la simple documentación de este lugar de la Guerra Civil rural, donde 23.000 hombres fueron asesinados, heridos o declarados como desaparecidos en un solo día en septiembre de 1862. Estas imágenes de una manera amplia invitan al espectador a darse cuenta de el papel de la fotografía en la documentación de la historia, el paso del tiempo y la santificación de la muerte de la tierra eterna.

 
Mann finaliza el documental con treinta y seis retratos de los rostros de sus tres hijos. Mientras que en estas fotografías se intuye mucho amor en marcado contraste con las imágenes oscuras de la muerte en sus otras series, el espectador no podrá evitar recordar las otras imágenes cuando ve los rostros de los niños. En este contexto, sus hijos son "lo que queda." 



Este documental en una reflexion hacia la mortalidad y hacia las preguntas que genera en todos nosotros. Nadie como Sally Mann para adentrarnos en la profundidad de nuestra alma a través de la fotografía.




































26 de julio de 2011

Problema con Shanghai GP3

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Hace algún tiempo estuve viendo ciertos problemas que esta película estaba dando a algunos usuarios, y de momento yo no los había tenido. Los problemas a los que me refiero son unos círculos que salían en el negativo y que la mayoría de gente atribuía a lotes que defectuosos y que como estos chinos se pasan los controles de calidad por los webs, pues era de esperar.

Yo sin embargo tengo otra teoría que creo que es, o puede ser correcta.

El caso es que toda la película de este fabricante que he usado ha sido del mismo vendedor y toda ha sido usada en ambientes luminosos, con exposiciones normales y luz de día o interiores con exposiciones prolongadas y sobre fondos claros o con texturas.

Pues bien, estos últimos días he estado probando una nueva Bronica ETRSI que ha llegado a mis manos y lo he hecho con esta película, uno porque me gusta y dos porque es barata y para ver si funcionaba la cámara me era suficiente.

En estas pruebas y al secarse el negativo me he encontrado con unos negativos marcados con puntos y lo que parecían rayas o números, a simple vista ya se veían. Las fotos eran en su mayoría de objetos sobre cartulina negra y con luz natural difusa medida en incidente.

Esta es una de las fotografías:



Como veis, no solo aparecen puntos, si no también la numeración que hay impresa en el papel trasero del rollo. Claro, al ver los números ya tienes claro que el problema viene del papel, cosa que antes desconocía. Y además puedo empezar a entender algunas cosas cuando del mismo rollo obtengo las 2 ultimas fotografías perféctamente y sin ningún tipo de problema que curiosamente son las únicas que no tienen un fondo plano y oscuro.

Estas son:







A partir de aquí, y después de ver que solo han dado problemas las fotografías con fondo negro, subexpuesto o sin texturas me hago a la idea que el sistema de fabricacion de los rollos de película Shanghai GP3 en china es un poco cutre y que de alguna manera vela minimamente la película a traves del papel trasero. Posiblemente lo tengan controlado en cierta medida y sepan del fallo, yo personálmente así lo creo, pero como en la fotografía general, para lo que esta pensada esta película de calidad sencilla suele haber texturas y luz abundante pues no es un problema que les preocupa y que además no va a afectar a muchos usuarios.

Yo personalmente voy a seguir usándola a no ser que el problema surga también en las tomas con luz de día, aunque como he dicho no lo creo. En unas semanas o meses lo confirmare.

De todas maneras os voy a dejar unas fotillos después de pasarlas por PS para poder apañarlas.






24 de julio de 2011

Sobre fotografía

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Dándole vueltas al coco sobre la fotografía y los motivos que nos llevan a adentrarnos en ella mas profúndamente, me doy cuenta de que existen al menos un par de maneras distintas de entender y practicar la fotografía.

Entenderé que alguno de los lectores no compartan mis palabras o que por el contrario estén de acuerdo en alguno de los puntos que voy a exponer, pero ante todo quiero dejar claro que es una opinión muy personal y para nada a de tomarse mas en serio que lo que es.

La fotografía existía en mi vida antes de que yo me diese cuenta de que así era. Yo, como la mayoría de la población primer mundista que tenia acceso a cámaras fotográficas y a soporte fotosensible siempre la hemos usado de una u otra forma desde temprana edad.

Pero no fue hasta la adolescencia que por casualidades de la vida cayó en mis manos una cámara completamente manual, una miranda de color negro que alguien se dejo en el taxi de mi padre y nunca reclamo. Esta llevaba un zoom 35-70 con una apertura típica y lenta, vamos un objetivo del montón y un cuerpo del montón, que si no me lo hubiesen robado en tenerife, seguramente seguiría en mi poder y en total funcionalidad.

De repente me vi envuelto en un mar de dudas, nunca me había propuesto hacer fotos de manera manual, de hecho ni me había dado cuenta de que existían cámaras de este tipo, estaba acostumbrado a las compactas sencillitas Point and shot y a correr...

Quería hacer una foto, pero resultaba que para que la foto saliese mínimamente parecida a la que hacia con la compacta, necesitaba entender. Entender como funcionaba la luz, y como conseguir que se quedase para siempre en los negativos, negativos dicho sea de paso, los cuales habían sido un misterio para mi hasta entonces.

Me propuse aprender, pero no aprender a usar la cámara, me propuse aprender el porque de la cámara. A partir de ese momento cada fotograma era una pequeña experiencia religiosa, había que inventarse la fotografía y después ejecutarla con los medios elegidos. Salir a la calle a encontrarse con el "momento" y fundirse con El Ahora y el momento presente para poder llevárselo a casa ya creado.

Todo fue idílico hasta que por razones laborales y de vida me vi apartado en gran medida de la fotografía y tuve un parón de unos años.


Mantuve a la fotografía apartada de mi durante unos años. Mientras tanto los formatos fueron cambiando, se paso de un formato físico y tangible a otro que es totalmente intangible. El formato que usan la inmensa mayoría de las cámaras hoy día, el digital. Este formato necesita de tecnología electrónica para poder ser visualizado e impreso. Si el soporte se queda sin energía o se avería, el contenido no existe.

Al cabo de unos años de inactividad pensé en volver, iluso de mi compre diréctamente una cámara digital para poder adaptar mis antiguos objetivos  a este nuevo y "económico" formato y me volvió a entrar el gusanillo de poder captar lo que mi cerebro veía e interpretarlo a mi manera. Cuando al año se confirmo que la fotografía había vuelto para quedarse, llego el momento de dar el salto a una cámara de cierta calidad y que me permitiese hacer todo tipo de fotografía, pues la cámara que me compre primero, resulta que al calentarse el sensor CCD manchaba las esquinas de la foto de color magenta... eso con la película no pasaba claramente.

Compre una D300s y después de algún tiempo haciendo fotos con este nuevo sistema, empeze a sentir que faltaba algo, ¿pero que podría faltar si tenia lo ultimo en tecnología y suficientes conocimientos fotográficos y de software de tratamiento de imágenes? La respuesta era sencilla, y aquí es donde uno se da cuenta de el porque de salir a plasmar fotos.

Y perdonad que os diga, pero... Uno no se siente de la misma forma cuando sale a la calle y esta obligado a obtener una imagen final sobre un soporte que no puede modificarse, que cuando lo hace sobre un soporte que permite después de haber tomado una foto, variar todas los parámetros de esta sin apenas perdida de calidad. Claramente no estoy hablando de resultado final, hablo de sensaciones, que es lo que me atrae del acto de fotografiar.


Cuando cojo la cámara todo se pone a funcionar en el momento, en el instante en el que tengo que fotografiar lo que previamente he visualizado. Elección de la película a usar, planear el encuadre exacto, medir la luz perféctamente para el resultado final que deseo, que el enfoque este en su sitio, profundidad de campo, que no este caída, nitidez, y esperar el momento justo para apretar el botón que hará disparar el obturador de la cámara. Todo este proceso se aplica a cada fotografía y es por definición un estado transcendental, uno pequeño, pero uno al fin y al cabo. El nivel de concentración es tan elevado que tu mente se queda en silencio, no hay nada mas que un estado de bienestar interior.


Cuando uso la cámara digital las maneras son otras. Tengo suficientes pixels en el archivo como para poder seleccionar 2/3 partes de el y perder poca calidad, con lo que el encuadre se hace en casa, tengo suficiente margen de pasos de luz por arriba y por abajo que la medición correcta de la luz no la hago para la toma final, la hago para no quemar blancos, pero como cada toma que hago veo si he quemado o no pues no me molesto ni en medir, disparo hasta que el histograma esta donde quiero que este. Nitidez, este punto es interesante porque hoy en día cuesta diferenciar un archivo creado con un objetivo de gama media a uno de gama alta en cuanto a nitidez, depende mas de que algoritmos uses con los filtros de enfoque que del objetivo en si. Temperatura del color, saturación, contraste, brillo o tono del color, son algunos de los parámetros que se ponen después de haber creado el archivo y cuando se esta usando el programa de "revelado". Y la parte que me llama mucho la atención, la cantidad de tomas que puedes hacer. Si salgo con la cámara de formato 6x6 puedo hacer en 3 horas 12 fotos, en ocasiones me cuesta acabar el rollo. Si salgo con la digital puedo terminar en la tarjeta con una media de 100 Fotos/Hora la mayoría de las cuales son inservibles. Todo esto que os comento, sirve solo para una cosa... que cuando salgas a fotografiar no lo hagas con la concentración máxima en la toma y la intención puesta en ella.

Ya se que la gente que solo ha fotografiado con sistemas digitales, estará diciendo: "Hombre, yo cuando salgo a hacer fotos estoy totalmente concentrado en la foto" pero yo te aseguro que no es así. ¿Has usado película alguna vez con una cámara manual? Pues prueba y veras lo que es concentración. La parte buena de esto que es tus fotos mejoraran en un 100 % usando película y te lo pasaras mejor. La parte mala, pues que tienes que aprender fotografía, no diseño gráfico como sucede desde que se impusieron estos sistemas digitales.


No hay nada mas estimulante que observar lo que te rodea a través de un cristal esmerilado de 6x6 en formato medio o 10x12 en gran formato. Es una ventana a otro lugar, una dimensión en la que todo esta al revés y tienes que observar a través de las formas, contrastes y sensaciones. La inmersión en esta dimensión es tanta que cuando aprietes el disparador sabrás a ciencia cierta que es el momento adecuado para hacerlo. No malgastaras momentos. Si no sientes la foto, no oprimirás el botón y seguirás con otra cosa, habrás hecho mentalmente 10 fotos de ese motivo que ya no te interesa y lo habrás descartado claramente. En este caso tu cerebro es la tarjeta de memoria y el automáticamente ha decidido que no sirven, almacenando los parámetros para otras tomas en las que tendrá que tomar el mismo tipo de decisiones y aprendiendo de ello para evolucionar visualmente. Así es como funciona la fotografía sobre película y con formatos del 6x4,5 cm para arriba.


Resumiendo, la fotografía en formato digital puede ser útil para trabajar, por su versatilidad y rapidez de resultados así como la facilidad para obtener buenos resultados, pero la fotografía química es para disfrutar con los 5 sentidos, es mas compleja y primitiva y la foto sale del interior para fijarse sobre el plástico de la película o la emulsión de sal de plata del papel.


Eloy Gómez

19 de julio de 2011

Fuji 64T Type II


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Cuando compré esta película para Tugsteno hace un par de meses no pensé que me gustaría tanto el resultado para fotografía nocturna. La había usado anteriormente en Xpro (en unos días pondré las fotos del proceso cruzado) y la verdad es que no me esperaba que trabajase tan bien con los azules de noche. Grano friísimo, casi invisible y una tonalidad en paisajes y cielo azulada que es una maravilla para los sentidos.

Por supuesto tenéis que tener en cuenta el fallo de la ley de la reciprocidad, y en este caso es multiplicando por dos el tiempo de la medición normal.

Por ejemplo, si la medición para una toma es por ejemplo de 15s - F/8, la toma final sera 15s x2=30s x2=60s. En total 60s - F/8 A mi me ha funcionado para tiempos entre 15s y 60s de medición.

Mirad los resultados y si os gusta no tardéis en haceros con algo de esta película que cada vez cuesta mas encontrarla.

Esta esta caducada desde el 2004 y la verdad adoro el resultado.


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18 de julio de 2011

The 2011 TIME 100

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La revista TIME encargó al fotógrafo Martin Schoeller, fotografiar a cinco de los homenajeados en el numero de THE 2011 TIME 100 -Amy Chua, autor del Himno de Batalla de la Madre del Tigre, Oprah Winfrey, Wael Ghonim, el empleado de Google y activista egipcio que ayudó a dirigir la revolución, el chef Grant Achatz, y el comediante Amy Poehler.

Martin Schoeller sigue trabajando con película de formato medio y gran formato. Es un gustazo ver sus retratos.

Tengo pendiente de comprar uno de sus libros de retratos. Me encanta.